billet de Mélanie: impressions sur l'atmosphère des expositions

La première fois que je suis rentrée dans une galerie, je n'étais pas très enchantée par les lieux. Cette froideur, ce silence, ce vide et ce calme pesant me rendait très mal à l'aise: je ne savais plus où me mettre. Encore aujourd'hui, les galeries ne suscitent guère mon admiration. Souvent les œuvres qui y sont exposées me semblent encore fort abstraites et ridicules. Effectivement, j'ai encore du mal à comprendre cette exaltation devant certaines œuvres alors que pour moi, elles sont dénudées et de sens et complètement absurdes. Par contre, je trouve les centres beaucoup plus chaleureux et ouverts au public. Les œuvres s'y trouvant suscitent beaucoup plus la curiosité, c'est une ambiance qui permet la participation du public. D'ailleurs, je pense que c'est un des points les plus importants pour faire susciter la curiosité de la découverte dans le monde de l'art

Mélanie Appeldoorn

Artiste moderne : Robert Filliou présenté par Mélodie

« L’art est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art. » Robert Filliou.

Les œuvres de Robert Filliou (1926- 1987) sont marquées par un attrait pour l’écriture mais aussi par un intérêt pour l’objet quotidien ou récupéré. Cela montre bien l’appartenance de l’artiste au mouvement Fluxus, puisque que Fluxus rejette la notion d’œuvre d’art.L’artiste considère le spectateur comme un interlocuteur. Son objectif est que chaque individu prenne conscience qu’il est un artiste. – ce qui ne signifie pas qu’il produise nécessairement des œuvres d’art au sens strict du terme – mais qu’il puisse affirmer son génie dans le cadre de n’importe quelle activité, elle-même élevée au rang de l’art. Cette caractéristique montre aussi que Filliou est un membre de Fluxus puisque le mouvement Fluxus met en évidence le fait que l’homme est un être imaginatif et qu’il peut produire en tant que créateur. Ses œuvres sont simples et parfois humoristiques. L’œuvre est donc non mythifiée.

Mélodie Dumoulin

Artiste moderne : Joseph Beuys présenté par Mélanie

"Comment expliquer des tableaux à un lièvre mort", performance réalisée en 1965

Les œuvres de Joseph Beuys (1921-1987) sont toujours construites à partir d'un questionnement sur l'humanisme, la sociologie et l'écologie. Ses années de succès lui permirent notamment d'élaborer un nouveau concept dans les années 70: le concept de sculpture sociale. En effet, il continue les concepts énoncés par Marcel Duchamp et du Dadaïsme: l'œuvre est un processus de réflexion ouvert à de nombreux domaines de la recherche et, "capable d'interpréter l'homme et l'activité humaine au sens d'une théorie globale du travail." Pour lui, son œuvre est un projet de réconciliation de l'individu avec son environnement. Il cherche à raviver une sensibilité que l'homme a perdue. Pour lui, tout homme est artiste, et qui si chacun utilise sa créativité, tous seront libres.Nous retrouvons ces concepts chez Beuys, nés d'une expérience personnelle vécue lors de son enrôlement dans les forces de l'air allemande en 1940. Pilote sur le front russe, il s'est écrasé en Crimée et s'est fait recueillir par des nomades Tartares. Ceux-ci l'ont nourri avec du miel et l'ont soigné en le recouvrant de graisse, et en l'emmaillotant dans des toiles en feutre. Suite à cet épisode, il développe, dans les années 60, un nouveau mouvement artistique qui ne s'apparente pas à celui de l'époque. Ces éléments qui lui ont sauvé la vie sont assez récurrents dans ses productions artistiques. Il utilisera le cuivre, le feutre, le bois, le miel, la terre, le sang, les os, la graisse, etc. pour leurs qualités énergétiques, métaphoriques et plastiques. D'où l'apparition de certains domaines (animal, végétal et minéral) qui s'entrecroisent. Ces utilisations de matériaux donnent alors à la figure de Beuys, un côté écologique : exploration des matériaux pour les mettre au service de l'art et non plus pour les modifier. Il redonne ainsi une certaine noblesse à ces objets méprisés.



Mélanie Appeldoorn

Artiste moderne : Sol Lewitt présenté par Aline

Sol Lewitt ( 1928-2007) l’a nommée « Bands in four directions », ce qui signifie "bandes dans quatre directions". Rien qu’en entendant le nom de la peinture, j’aurai dejà pu imaginer ce genre de travail. Les traits dessinés dans quatre directions. Un titre sans fioriture, sans garniture, pur simple et direct. Le travail est fait directement sur le mur.
La structure est simple, mais pas forcément simple à réaliser. Des parallèles tracées sur des faces carrées font perdre les yeux. Il utilise les trois dimensions puisque ce dessin est fait directement sur le mur. Des éléments géométriques mis habilement en relation pour le plaisir du regard. Pas de géométrie compliquée, des formes simples et basiques. Des faces de cube, forme utilisée au quotidien, jointes les unes aux autres par des traits arrêtés. Cette peinture est tout à fait modulable, on peut la regarder dans un sens ou dans l’autre. J’ai tendance à tourner la tête pour les traits en oblique pour redresser le carré et le mettre sur pointe.
L’auteur a utilisé tout l’espace. Il en découpe toute la surface régulièrement. Il paraît renfermer dans sa simplicité une énigme. Mais ne démontre aucun sentiment, ne cherche pas à faire passer une émotion, juste le plaisir des yeux.

Aline Bouhon

Artiste moderne : Yves Klein présenté par Rebecca.

Les premiers monochromes d'Yves Klein dont les cadres ne touchent pas vraiment le mur (nouveau réalisme, répétitions) font penser à une élévation de la matière qui privilégient l'expression de la sensibilité plutôt que la figuration de la forme signés de son nom. « Jamais par la ligne, on n’a pu créer dans la peinture une quatrième, cinquième ou une quelconque autre dimension ; seule la couleur peut tenter de réussir cet exploit ». Il veut peindre un espace-couleur infini: le "monde de la couleur pure" avec sa couleur bleue inspiré du ciel . Cette couleur en partie faite de pigment purs reste actuel car l'on peut toujours la retrouver dans nos maisons. Il est donc possible de s'en procurer. Cette couleur n'a pas de dimension

En 1957 débute sa période bleue, où il utilise toujours ses monochromes, mais l'utilisation d'éponges, dérivé du monochrome, montre que les visiteurs doivent s'imprégner de sensibilité comme l'éponge elle-même, ainsi une transmission artistique est présente. Ces sculptures d'éponges ont montrées que l'art n'était pas qu'une peinture sans idée. L'avènement de l'époque bleue est célébré grâce à une toute autre idée de Klein: un lâché de 1001 ballons bleus dans la nuit qu'il appela "sculpture aérostatique".C'est à se moment que Klein révèle que la couleur bleue sera sa couleur principale car selon lui, la couleur bleue est la plus abstraite.
« Le bleu n'a pas de dimension, il est hors dimension, tandis que les autres couleurs elles en ont [...] Toutes les couleurs amènent des associations d’idées concrètes [...] tandis que le bleu rappelle tout au plus la mer et le ciel, ce qu'il y a de plus abstrait dans la nature tangible et visible. »

Rebecca Breekpot

Artiste moderne : Daniel Spoerri présenté par Laetitia.

Petite histoire du Réalisme et du « Nouveau Réalisme ».

Au départ le réalisme était un mouvement artistique du 19ème siècle décrivant la réalité banale de la vie quotidienne et est considéré comme le mouvement trait d’union entre le romantisme et le symbolisme.
Au 20 ème siècle tourné vers un réalisme plus moderne que celui existant au 19 ème siècle, . Celui-ci est né d’un accord entre des artistes connus tels Yves Klein, Daniel Spoerri, Tinguely,… prônant une nouvelle vision du réel ainsi que le rejet de l’œuvre d’art en général et préférant puiser dans le monde quotidien de la société de consommation particulièrement prospère durant les années d’après-guerre. Ils utilisèrent le collage , la compression,...Le groupe des nouveaux réalistes se dissoudra très vite dans l’année 1970 avec l’arrivée en force du Pop Art.

Le repas Hongrois :
Cette œuvre fut réalisée le 9 mars 1963 lors d’une exposition appelée « 723 ustensiles » à Paris et organisée par Daniel Spoerri. Ce dernier aux fourneaux préparant les plats et ceux –ci servis par un célèbre critique Jean-Jacques Levêque. A la fin du repas, les reliefs furent fixés sur la table où ils furent consommés puis cette dernière fut fixée au mur. Cette œuvre est un des « Tableaux-pièges » les plus connus de Daniel Spoerri. Ce fut la première tentative d’œuvre d’art collective « l’artiste aux fourneaux et le critique servant la soupe ».

Laetitia Hamal

Artiste moderne : Andy Warhol présenté par Odile

La série des Marilyn Monroe d’Andy Warhol.

Cette œuvre d’Andy Warhol est la plus connue et la plus représentative du mouvement Pop Art et des changements que ce mouvement et plus particulièrement A. Warhol ont apportés à l’évolution de l’Art.

Tout d’abord, cette œuvre a pour sujet un sujet populaire qui n’est autre qu’une star hollywoodienne en la personne de Maryline Monroe qui représente la société de consommation de l’époque. Il y a la une désacralisation du sujet.
Ensuite, elle a était crée à partir d’un tout nouveau moyen appelé sérigraphie. On peut également remarquer que les couleurs sont vives et ne sont pas des couleurs conformes à la réalité.
Enfin, on sait que ce n’est pas Warhol qui a réalisé cette œuvre. Il a juste donner des instruction a ses assistants qui on l’on réalisée.

*Le mot pop art (abréviation de « popular art ») a été prononcé pour la première fois
en 1955 par Lawrence Alloway, un critique d'art anglais qui faisait partie de l'Independent, groupe d'intellectuels travaillant sur le rôle de la technologie dans la société.
Mais ce qui caractérise profondément ce mouvement, c'est le rôle de la société de consommation et des déformations qu'elle engendre dans notre comportement au quotidien. C'est à partir de ce principe que les artistes américains vont mettre en évidence l'influence que peut avoir la publicité, les magazines, les bandes dessinées et la télévision sur nos décisions de consommateurs. Par la suite, ce mouvement va s'étendre et toucher d'autres domaines comme la mode, l'architecture, le design, etc.

Odile Dion